Canciones que definieron décadas.

Hay un refrán muy válido -como todos- que reza "en gustos se rompen géneros". Musicalmente hablando existen muchos géneros, y al parecer cada semana nace uno nuevo, fruto de la unión de dos o más ya existentes. Pero sin importar cuántos géneros haya ahí afuera, y cuántos más se estén gestando en este momento, existen canciones que nos recuerdan a una década en particular. Algunas por el éxito que alcanzaron; otras por que las escuchamos hasta el cansancio aunque eran odiosas. No importa la razón, hoy les presento mi particular punto de vista sobre las canciones que han definido cada década desde los 50's hasta el día de hoy.

1950 - Johnny B. Goode - Chuck Berry.

Si bien es cierto que Rock Around The Clock de Bill Halley and his Comets se considera según algunos especialistas como la primera canción grabada de Rock&Roll, es indiscutible que Johnny B. Goode nos evoca de inmediato aquélla época. Es por ello que se encuentra representando a su década.

1960 - Help! - The Beatles.

Es cierto que por aquélla época rondaban ya The Rolling Stones e incluso Creedence Clearwater Revival, pero es indudable que los 60's le pertenecen a The Beatles. Escogí esta canción porque es una de mis favoritas del Cuarteto de Liverpool.

1970 - Time - Pink Floyd. ---- Knowing Me, Knowing You - ABBA.

¿Por qué dos? Bueno, porque fue durante el transcurso de esta década donde la corriente musical de las masas comenzó a bifurcarse, naciendo lo que a postre sería una presunta guerra entre Rock y Pop. Por un lado tenemos a Pink Floyd, uno de mis favoritos personales; la otra cara de la moneda es representada por un cuarteto procedente de Suecia, llamado ABBA, prueba de que no todo el Pop es malo.

1980 - Breaking The Law - Judas Priest.

Mucho Glamm Rock se hizo durante esta década, y se ha dicho que, musicalmente, fue la peor del siglo. Quizás lo fue, pero existen joyas rescatables como esta canción de Judas Priest.

1990 - Basket Case - Green Day.

Durante los 90's, el Pop -malo- ganó mucho terreno en la televisión y en la radio. También fue ésta la década que vió nacer movimientos como el  Nu Metal o el Grunge, con exponentes como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o Alice In Chains. Sin embargo, personalmente, nada refleja mejor la época de 1990 a 1999 como el álbum Dookie de Green Day, y de ahí se desprende esta canción.

2000 - Best Of You - Foo Fighters.

Creados en 1995 por Dave Grohl a partir de la muerte de Kurt Cobain, la primer década del nuevo milenio fue testigo del ascenso a la gloria de esta banda. Es cierto que tienen éxitos previos como Everlong, Monkey Wrench o Learn To Fly, pero como este tema, extraído de su primer disco doble titulado In Your Honor, no había precedente en su carrera. Marcó el inicio del estrellato de los Foo Fighters.

2010 - Get Lucky [Ft. Pharrell Williams] - Daft Punk.

Esta década la seguimos viviendo, y sinceramente con tanto género y artista ya no se sabe qué es lo que domina el mercado. Sin embargo esta canción retrata muy bien la tendencia que se está siguiendo hasta el momento.

He dejado fuera a muchas bandas importantes (The Who, STP, Guns N' Roses, Bee Gee's, Queen, etc.) pero sería imposible mencionarlas a todas. Espero sus comentarios y su opinión acerca de este post.

40 años viviendo en el lado oscuro de la Luna

Al momento de escribir estas líneas, se conmemoran 40 años de la edición del que considero la obra maestra de Pink Floyd: Dark Side of the Moon. Al mando de Roger Waters, la banda nos lleva de la mano a través de 10 canciones, recorriendo aspectos de la naturaleza humana, como la codicia, el paso del tiempo, la muerte y la locura. Quiero compartir la experiencia de cómo fue que conocí este disco, pues llegó a mis manos en una época muy disfrutable de mi vida.

Me encontraba entre los 21 y los 22 años, viviendo solo en la Ciudad de México; bueno, no solo completamente, pues rentaba un departamento junto a dos tipos y una chica, quienes trabajaban en la misma empresa que yo. Sin embargo, ellos tres trabajaban en el turno de la mañana, y yo lo hacía por las tardes, quedándome solo en casa la mayor parte del tiempo. En un día de descanso, solo en el departamento, me dirigí a una tienda de discos en el centro de la ciudad, pues ya tenía la intención de adquirir esta obra, así que lo hice y regresé a casa para, en perfecta soledad, escucharlo sin interrupciones.

Le di play al reproductor y comenzaron a sonar los latidos de un corazón, mientras yo me acomodaba en el sillón tratando de captar el más ínfimo detalle de la atmósfera sonora, pues el Dark Side está lleno de detalles acústicos que hacen la delicia del oyente. Era una tarde tranquila, sin ruido; el sol entraba por la ventana e iluminaba el lugar donde yo me encontraba sentado. Cerré los ojos para dejarme llevar por algo que no sabía qué era, pero me agradaba bastante.

Escuchar por primera vez el solo de Time en esas circunstancias es algo totalmente indescriptible, fuera de este mundo. Una sensación de paz invade el cuerpo mientras David Gilmour desgarra el alma de su guitarra y de los oyentes. Así pasaron los tracks, hasta que cuando comenzó Any Colour You Like mi relajación era tanta que comencé a dormitar. No dormí profundamente, pues recuerdo que seguía escuchando, como si de música de fondo de tratase, Brain Damage, y rememoro que simplemente me fascinó.

Terminó Eclipse y para ese momento, era yo presa de Morfeo. Al despertar, simplemente no podía dejar de sonreír. Si tuviera la oportunidad de que se me concediera un deseo, sería volver a tener la oportunidad de escuchar el Dark Side of the Moon por primera vez. 

5 bateristas muy sobrevaluados

En todas partes siempre nos toparemos con personas que aparentan (a veces sin quererlo) ser mejores de lo que son; incluso es muy probable que nosotros mismos seamos sobrevalorados por aquellos con los que convivimos.

Siendo el ambiente musical un movimiento lleno de apariencias y artimañas cada vez más descaradas con el único fin de vender más y más material, muchas veces un producto se nos anuncia como lo mejor, cuando no podría ser más mediocre.

Una de mis más grandes pasiones es tocar la batería, y siempre me ha gustado investigar acerca de técnicas para poder mejorar mi desempeño, pero hay miles de bateristas que al parecer no les importa un comino ser verdaderamente buenos músicos. ¿Para qué? Si la fama y el dinero ya lo tienen.

Es por eso que aquí les presento mi humilde opinión de los 5 bateristas más sobrevaluados del mainstream.

5.- Chad Smith.

El gemelo de Will Ferrell (no lo es, pero podría serlo) es el encargado de los tambores en una de las bandas más grandes y con mayor trayectoria dentro del Rock Alternativo: Red Hot Chili Peppers. Podrán decir lo que quieran, pero el estilo de esta banda fue marcado y desarrollado por John Frusciante y Flea, guitarrista y bajista respectivamente. Chad Smith podría ser reemplazado en la banda y no habría mayor problema.

4.- Joey Jordison.

Sé que puedo tocar algunas fibras sensibles, porque es considerado uno de los mejores en su género. Jordison es rápido... muy rápido, pero su técnica no es buena, además de que le falta imaginación. Es bueno, lo reconozco, pero no es uno de los mejores.

3.- Nick Mason.

Soy muy fanático de Pink Floyd, tengo todos sus discos de estudio, pero hay qué saber cuándo ser objetivos. Sé que el estilo de la banda no requería a un baterista virtuoso, pero vamos, que Mason tiene bastantes limitaciones a la hora de ejecutar su instrumento. El trabajo colectivo de Floyd es excelso, pero las aportaciones de Mason a la banda son paupérrimas.

2.- Ringo Starr.

Un caso similar al de Mason. Le tocó la suerte de estar en el lugar preciso en el momento preciso. Y es que, John, George y Paul pudieron haber encontrado un mejor baterista lanzando una moneda al aire y viendo a quién le pegaba. Digamos que si el baterista de The Beatles hubiese sido Mason, y Starr el de Pink Floyd, no mucho fuese diferente.

Y el premio del baterista más sobrevaluado va para...

1.- Lars Ulrich.

No podía ser para alguien más. Es por todos conocido que el encargado de la base rítmica de Metallica es bastante deficiente en sus interpretaciones en vivo. No puede mantener un tiempo constante, evita a toda costa tocar las partes que requieren doble bombo y se equivoca frecuentemente. Tal vez habría sido mejor que se dedicara al tenis...

Sé que si alguien comenta este post (improbable que así sea) usarán el argumento de que yo no soy ni la milésima parte de millonario y famoso que ellos, pero recordemos que lo más conocido no siempre es lo mejor.

Roger Waters

La importancia de los Genios (Parte 1)

En el mundo hay muchos locos -aunque ya quedó claro que la locura es subjetiva- y es bien sabido que la línea entre locura y genialidad es tan estrecha, que en ocasiones resulta casi invisible y hay quienes la traspasan varias veces sin mayor problema. Sin embargo, es evidente que no todos los locos son genios, y no todos los genios están locos. Existen unos cuántos privilegiados que son capaces de ver las cosas de forma diferente al grueso de la población y cambian al mundo con sus ideas; ya lo dice la frase de un magnífico comercial de Apple: "...Because the people who are crazy enough to think they can change the world, are the ones who do" que se traduce en algo como "... Porque solo aquellos lo suficientemente locos para creer que pueden cambiar el mundo son quienes lo logran"

Estos genios están en todas partes, y en raras ocasiones, el azar, el destino, la suerte, el karma o como gusten llamarle, decide juntarlos para que cosas increíbles puedan ser creadas. Ejemplos de ello hay varios en el ámbito del arte, especialmente en la Música. Siendo un gran fanático de Pink Floyd, el primer caso que quiero exponer es sobre ellos.

Indiscutiblemente, el Genio Mayor, por llamarle de alguna forma, será siempre Syd Barrett, pero Waters, Gilmour y Wright no se quedan muy atrás (Mason, desde mi punto de vista, no marcaba una diferencia dentro de la banda.)

La época dorada (y con dorada no me refiero a la calidad de la obra, sino a la relevancia histórica) de Floyd fue mientras Roger Waters estuvo al frente, siendo estandartes los álbumes The Dark Side Of The Moon y The Wall, sin olvidar joyas como Animals, Wish You Were Here y The Final Cut. En este caso, podemos decir que el genio detrás de las letras y los conceptos fue Waters, pero de muy poco habría servido su genialidad a la hora de escribir sin los magníficos solos de guitarra y el feeling a la hora de cantar provistos por David Gilmour; piezas como Time, Comfortably Numb, Money, Shine On You Crazy Diamond o Mother serían inconcebibles sin la interpretación de Gimour.

Alguien me comentaba una vez que en la era post-Barrett, Pink Floyd le debía todo a Waters, y que el cerebro detrás del éxito fue él, pero la verdad es que fue una gloria compartida, porque gracias al trabajo en conjunto de estos genios, quedó un legado repleto de letras cargadas de reflexión y solos de guitarra que nos ponen la piel de gallina.

Para muestra, les dejo la interpretación de Comfortably Numb en vivo en el Live 8 en 2005. La última vez que Waters, Gilmour, Wright y Mason tocaron juntos como Pink Floyd.

Estas historias de genialidades continuarán.

¿Pasión o perfección?

En el post anterior publiqué que uno de mis propósitos para este año era escribir algo en mi blog al menos cuatro veces a la semana. Ha transcurrido un mes y medio y ésta es la primera entrada que escribo desde entonces... Vaya manera de empezar, ¿no? Pero como se suele decir: más vale tarde que nunca. Generalmente en mis momentos de ocio (que suelen ser muchos) mi mente comienza a tratar de analizar situaciones, y a veces esos momentos traen consigo algunas buenas ideas o temas sobre los cuales escribir en este espacio. Lo malo es que a menudo olvido esos temas a los cinco minutos, y cuando estoy sentado tras el teclado no tengo nada bueno para pubicar. Así que este post lo utilizaré simplemente como un comienzo para tratar de agarrar el hilo nuevamente.

Iba yo en el camión un día con mis audífonos puestos escuchando cierta canción de Dream Theater. Para quienes no están familiarizados con la banda, rápidamente les digo que su música es de un grado muy alto de complejidad, llámándole a veces "música para músicos" dada la constante utilización de compases irregulares, sólos llenos de virtuosismo y complejas armonías. Puse especial atención en un solo de guitarra, magistralmente ejecutado por un siempre preciso John Petrucci y en eso me surgió la siguiente interrogante: ¿Realmente vale la pena sacrificar pasión por perfección?

Y me pregunté eso porque al escuchar el solo de guitarra, me di cuenta de que no me transmitía ningún sentimiento en especial; aquello era simplemente una rápida -muy rápida- sucesión de notas carentes de significado.

La música es un arte, y como tal, el fin último no es conseguir la admiración del espectador, sino provocar en él un sentimiento, un pensamiento, una reacción o una instrospección. El señor Petrucci podrá ser un excelso guitarrista en cuanto a técnica y velocidad se refiere, pero a veces se dice más con 3 notas saliendo del alma que con 200 viniendo de las puntas de los dedos.

Los nuevos hábitos de consumo musical

Para nadie es noticia que las costumbres en la forma de adquirir música han sufrido cambios importantes casi cada generación; en esta nueva era digital, estamos acostumbrados a la inmediatez, cosa que se ha visto reflejada en los hábitos de consumo de música de nuestros días. No es mi intención abordar el tema de la descarga de música de la red, ya sea de manera legal o ilegal, sino la rapidez con la que el trono de nuevo ídolo del pop cambia de ocupantes.

Es bien sabido que desde la última mitad de los 90's el pop no goza de una muy buena imágen entre los puristas de la música, y se le ha tachado de ser semillero de grupos y solistas cuidadosamente fabricados para satisfacer las necesidades monetarias de las disqueras a cambio de ofrecer canciones digeribles y sin una verdadera propuesta, tendencia iniciada y fomentada por MTV al convertir al videoclip en una herramienta de promoción donde la imagen dejaba al aspecto musical en segundo plano.

Desde entonces la batalla por tener el video más votado, más rotado por los distintos canales o la canción más sonada el el radio ha sido férrea, lo cual ha derivado en que la calidad de las obras sea deficiente al ser cocinadas al vapor, y a veces poniendo más atención en la campaña publicitaria que en el material en sí. Cada verano somos bombardeados con canciones de el nuevo [inserte aquí el nombre del artista de moda durante el verano pasado].

Se me hace absurdo ver que en algunos medios presentan a una chica llamada Eliza Doolittle como la nueva Lilly Allen... WTF! ¿La nueva Lilly Allen? En primer lugar, Lilly Allen no cuenta con la trayectoria suficiente para ser un punto de comparación. Es cierto que ha tenido 2 álbumes con cierto éxito pero eso no implica que haya establecido una categoría propia en la cual las subsecuentes cantantes puedan ser clasificadas, y ni siquiera ella misma se ha consolidado aún como la nueva Britney, o Christina, o Hilarry Duff -y tampoco es que ellas sean enormes talentos...- Y es precisamente a lo que me refiero con la inmediatez de la que somos víctimas en estos tiempos. Ahora resulta que 2 discos exitosos en el ambiente indie son suficientes para convertirse en leyenda.

Deberíamos tomar las cosas con más calma y juzgar mejor el talento -o la falta de él- de esos intérpretes de la música que consumimos. Si continuamos desechando bandas y solistas a esta velocidad, en un futuro no muy lejano los One Hit Wonders serán el pan de cada día.

Talento potosino

Ese estado cuyo límite político asemeja la forma de un perro sobre el mapa mexicano, y del cuál soy originario, ha hecho algunas aportaciones interesantes al mundo musical -y no, no me refiero a Ana Bárbara, estén tranquilos.- e incluso a la historia de México. A continuación los 3 casos que considero más importantes:

1.- Julián Carrillo: El músico mexicano más grande que ha existido, formuló la Teoría del Sonido 13 e inventó numerosos instrumentos para ejecutar sus composiciones. Impulsor del microtonalismo, director del Conservatorio Nacional de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional. Nominado al premio Nobel de Física en 1950 por sus aportaciones a la Teoría Musical.

2.- Francisco González Bocanegra: Poeta y literato, pasó a la historia por ser el autor de la letra del Himno Nacional Mexicano, al ganar -junto a Jaime Nunó- el concurso que el entonces presidente Antonio López de Santa Anna convocara.

3.- Severiano Briseño: En el ámbito popular, este potosino escribió una de las canciones más famosas de identidad estatal, aunque irónicamente no la compuso para su tierra natal: El Sinaloense es quizás su obra más conocida, pero El Corrido de Monterrey es también de su autoría.

Si bien he comentado en algunas ocasiones que los logros deben ser personales, es motivo de inspiración ser coterráneo de estos tres músicos, letristas y compositores, pues eso estimula mi creatividad en aras de poder igualar, y ¿por qué no?, superar sus logros.

Iron Geek... (casi) literal

No me refiero al concurso realizado en la Campus Party -que fue ganado por @Cyberocioso, quién está detrás de la máscara del @GeekDaemon- sino a esta forma tan geek de interpretar uno de los clásicos del Heavy Metal: Iron Man de Black Sabbath. Las notas de la canción son generadas por las distintas frecuencias provenientes de las bobinas de Tesla que se pueden ver en los extremos. Una muestra más de que lo geek no está peleado con el merol.

Mike Portnoy se va de Dream Theater

Esta noticia ya es vieja, comparada con la velocidad a la que las cosas se mueven en estos tiempos digitales, pero no podía eludir mi responsabilidad de escribir sobre ella. Debo reconocer que no hace mucho tiempo que empecé a clavarme en la música de Dream Theater, pero conozco el trabajo de Portnoy desde hace unos cuantos años, cuando en la versión 1.0 de la web me metía a foros de discusiones acerca de los mejores bateristas del mundo.

Mike era uno de los más recurrentes en los mensajes, así que empecé a buscar material acerca de sus solos y clínicas, hasta que un día por fin me animé a escuchar música de Dream Theater. Quedé estupefacto al escuchar la maestría con la que el citado baterista lograba dotar a las canciones no sólo de una base rítmica por demás sólida, sino porque la percusión era parte melódica per se, aunque esto pueda sonar a oxímoron.

Portnoy fue mucho más que sólo un baterista para DT, pues además de ser miembro fundador, se encargaba de componer letras, melodías. armonías y arreglos para las canciones y fungía como productor, junto a John Petrucci, de todos los álbumes de la banda. En pocas palabras él era la fuerza motriz de la agrupación de metal progresivo.

Al igual que muchos fans, me pregunto quién será el elegido para ocupar el lugar dejado por Mike, ya que sin duda alguna debe ser un baterista prodigioso, porque llenar el lugar de Portnoy no será tarea sencilla. Mi gallo es Thomas Lang, aquí una de mis razones:

Dave: un sinónimo de talento

En uno de muchos ratos libres que se me presentan durante el día, y mientras pasaba el tiempo en YouTube viendo videos sobre Megadeth, me vino a la mente hacer una recopilación de todos aquellos músicos talentosos que llevan el apelativo Dave; pero investigando un poco -definiendo investigar como echar un vistazo rápido en Wikipedia- me di cuenta de que no sólo en la música sobresalen los Dave's, así que una breve lista de lo que este nombre desempeña en distintos ámbitos artísticos:

Dave Grohl. Conocido principalmente por ser el baterista de Nirvana cuando la banda atravesaba su momento cumbre. La nuevas generaciones lo identifican como el líder de Foo Fighters, pero su trayectoria incluye Probot, Them Crooked Vultures y colaboraciones con Queens Of The Stone Age, Garbage, etc.

Dave Lombardo. Uno de los mejores bateristas del mundo en el ámbito del metal, al servicio de una de las cuatro grandes bandas del género: Slayer. Apodado el padrino del doble bombo, un dato curioso sobre él es haber nacido en La Habana, Cuba.

Dave Mustaine. Este tipo se ha desempeñado la mayor parte de su carrera como guitarrista y frontman de Megadeth, banda que formó para tomar revancha contra Metallica después de haber sido despedido de ésta, y la verdad es que no le ha ido nada mal.

Dave Navarro. El clásico estereotipo del bad boy, ha formado parte de bandas tan importantes de la escena funk-alternativa como Red Hot Chili Peppers y Jane's Addiction, pero su eclecticismo lo ha llevado a colaborar con personajes como Christina Aguilera y Marilyn Manson.

Dave Murray. Otro guitarrista, en esta ocasión de la banda inglesa de metal Iron Maiden, siendo miembro fundador de tal agrupación, y junto a Steve Harris, miembro permanente durante toda la historia del grupo.

Dave Matthews. Probablemente el músico más famoso internacionalmente que Sudáfrica ha dado al mundo. Frontman de Dave Matthews Band -la originalidad al momento de escoger nombres no es su fuerte-, banda de un género denominado Jazz-Rock. Les dejo un video no de él, sino de su baterista Carter Beauford tocando al ritmo de #41.

Dave Weckl. El dominio de los guitarristas estaba siendo abrumador, así que aquí otro baterista para hacernos justicia, y uno de los mejores del mundo, especialista en jazz y ritmos latinos.

Dave Gibbons. Este señor no es músico, pero los fans del cómic deben reconocer su nombre inmediatamente. Escritor de profesión, es conocido entre los entusiastas de las historietas por ser el creador de la saga Watchmen, pero además ha hecho dibujos para historias de Batman y Superman, entre otros.

Para finalizar, un video con la primera parte de una entrevista a Dave Mustaine hecha por Dave Navarro.

Ok, sé que dije que abarcaría varios ámbitos artísticos, y a diferencia del último tío todos son músicos, pero hey, quizás en otra ocasión...

La degradación del arte musical

La música ha coexistido con la humanidad desde que ésta aprendió a crear ritmos, y es probablemente la rama de las artes que más evolucion y cambios ha sufrido durante su existencia. Corrientes, géneros, exponentes, épocas, temáticas, experimentación y tendencias han marcado el camino que ha seguido a lo largo de su convivencia con el ser humano, y a diferencia de otras bellas artes como la escultura, la arquitectura o la cinematografía, la música parece dar la sensación de estar más al alcance de cualquiera que decida incursionar en ella, derivando en la creencia de que cualquiera puede crear una pieza musical.

En la antigüedad, la música tenía el status que realmente merece, era apreciada por todos pero interprerada sólo por unos cuantos elegidos; juglares y trovadores (verdaderos, no las mil réplicas de Fernando Delgadillo de hoy en día) que contaban leyendas con sus canciones, posteriormente por músicos y compositores que llenaban las cortes reales con piezas orquestales de una belleza y complejidad impresionantes.

En aquellas épocas, no era frecuente ni sencillo que alguien se convirtiera en músico, porque se estaba conciente de que se requería algo mucho más importante que las ganas y el gusto por el citado arte: el Talento, esa palabra tan infravalorada en nuestros días. Es debido a esta situación que considero a la música como el arte más degradado, porque, en otras palabras, se le ha perdido el respeto.

Ahora resulta que cualquier pelele que sabe hacer 6 power chords en una guitarra, o aquel que sabe un ritmo básico de 4/4 en la batería ya es músico. El talento mainstream en nuestros días parece basarse en la capacidad del autor por escribir letras cursis y arreglos melosos; no digo que no exista genuino talento, porque lo hay, pero se encuentra escondido en un lugar muy alejado y de difícil acceso para las masas.

Probablemente la música sea el arte más accesible, puesto que está presente en todos lados, pero accesibilidad no significa que cualquiera puede subir a un escenario, tomar algún instrumento y pretender ser un artista. O ¿a caso han visto que una persona común tome un cincel y un martillo y comienze a darle forma a un bloque de piedra? ¿Por qué debe ser diferente el hecho de tomar una guitarra y comenzar a escribir una canción?

Démosle a la música el respeto que se merece como arte. Si quieren convertirse en verdaderos músicos estudien los aspectos técnicos, practiquen, dedíquen tiempo para desarrollar el talento y que el término "artista" no les quede grande.

Grohl

¿Dave Grohl tendrá algun sueño pendiente por realizar?

A sus 41 años, éste tipo ha hecho lo que muchos no logran hacer en toda su vida; no sólo ha conocido a un ídolo de su infancia, sino que se ha subido con varios de ellos a un escenario a palomear y hasta a grabar discos.

A los 21 años conoció el éxito con Nirvana, grabando con ellos el álbum más representativo de la banda: Nevermind, además del In Utero y el MTV Unplugged in New York.

Después de la muerte de Cobain, y cuando todos pensaban que la carrera de los otros dos integrantes no sería nada sin su frontman, Grohl responde con los Foo Fighters, cuyo primer álbum -homónimo- fue bien recibido por la crítica, ya que no era una continuación ni intentaba copiar lo que fue Nirvana.

Para el segundo álbum, "The Colour And The Shape" el estilo propio se consagró, y el status de rockstar por mérito propio alcanzó a Dave, gracias a canciones como Monkey Wrench y Everlong. A partir de ese punto, su carrera con los Foo ha ido en ascenso.

Pero ésto no es suficiente para él. Aburrido de tocar siempre con sus 3 compañeros, se propuso armar un proyecto en donde cada canción fuera interpretada por un vocalista diferente, así que se puso a componer y a grabar él sólo todos los instrumentos y después juntó a unos cuántos de sus ídolos del metal para que le ayudaran con la voz. Entre ellos destacan Lemmy Kilmister de Motorhead, King Diamond de Mercyful Fate, Max Cavalera de Sepultura, Cronos de Venom y algunos otros monstruos. Éste proyecto fue bautizado como Probot.

La mayoría de los mortales nos habríamos dado por bien servidos con semejante currículum: Haber formado parte de la banda que forjó un parteaguas en el Rock y dió voz a una generación, empezar una banda totalmente diferente desde cero y alcanzar nuevamente el éxito y después, lograr que varios de los más grandes exponentes de metal colaboren en un mismo proyecto.

Pero una vez más el señor no se conforma, y en 2008 toca en un concierto de Foo Fighters en el Wembley Stadium junto a dos de sus más grandes ídolos: John Paul Jones y Jimmy Page, bajista y guitarrista de Led Zeppelin respectivamente, además de que previamente había tocado -también con Foo Fighters- en el Hyde Park al lado de Roger Taylor y Brian May, baterista y guitarrista de Queen.

Para finalizar, parece que le gustó tanto la experiencia de trabajar con John Paul Jones, que junto a él y a Josh Homme de los QOTSA -con quienes también ha colaborado- fundó lo que ahora conocemos como Them Crooked Vultures, y por las reseñas que he leído del disco, parece ser que es muy bueno.

Retomando el inicio, ¿qué sueño le faltará por realizar a Dave Grohl?

Discográficas VS. Piratería

Todo comenzó con Napster.

De hecho no, al menos en nuestro querido México comenzó hace mucho más tiempo, en aquellas épocas lejanas cuando podías conseguir cassettes piratas por $10 en los tianguis. Cuando llego el CD, su precio -en pirata- era de ¡$50! pero segúia siendo mucho más accesible que su contraparte original, que iba de los $200 hacia arriba.

Luego el internet se masificó, nuestro querido Carlos Slim trajo el dial-up a nuestros hogares y lo demás es historia, Napster nace, se desarrolla a niveles insospechados y muere. Decenas de redes P2P le suceden: Kazaa, Ares, Limewire, eMule, etc; después llegan los torrents y las velocidades de conexión son más rápidas con la introducción del ADSL, dándonos oportunidad de descargar materiales más pesados en tiempos más cortos.

Ojalá ésta historia fuera así de simple, pero no. Las disqueras han metido su cuchara y han empezado una guerra contra todo aquello que viola sus preciados "derechos de autor".
Pero ¿qué es realmente el Copyright? La fuente más obvia e inmediata -Wikipedia- lo define como "conjunto de normas y principios que regulan los derechos morales y patrimoniales que la ley concede a los autores, por el solo hecho de la creación de una obra literaria, artística, científica o didáctica, esté publicada o inédita"

Hasta aquí todo va bien, el autor hace una obra, la registra y la protege contra copias ilegales.
Las cosas empiezan a complicarse un poco cuando nos preguntamos ¿qué se considera una copia ilegal? Bueno, eso depende de la legislación de cada país, pero en las naciones en que las doscográficas u otras entidades de gestión han realizado juicios a los administradores de redes de intercambio de información, ha quedado bien claro que no es ilegal compartir archivos a través de Internet, siempre y cuando no haya fines de lucro.

Eso está a punto de cambiar, porque debido a las presiones ejercidas por entidades como SGAE en España y AMPROFON en nuestro país, los gobiernos comienzan a crear leyes para perseguir sin piedad a todo aquél que, según su criterio, proporcione o tenga acceso a material protegido por derecho de autor.

Ahora bien, ¿éste tipo de asociaciones buscan realmente proteger al autor? Según mi punto de vista, los creadores son los más perjudicados, he aquí un ejemplo para explicarlo:
1.-Un usuario descarga el soundtrack de una película que le encantó.
2.-Una entidad gestora demanda al usuario que subió a la red ese material, y al que lo descargó también.
3.- Se lleva a cabo un proceso jurídico en donde se determina que los usuarios deben pagar una cantidad exagerada por incurrir en un delito y además su ISP les dejará sin acceso a redes P2P o torrents.
4.- La entidad gestora se queda con la totalidad del dinero, siendo que ellos no son los autores del material descargado.
5.- El autor original ni siquiera se da cuenta de que alguien fue enjuiciado y multado por descargar "ilegalmente" material creado por él, y por supuesto no ve ni un centavo del "beneficio" obtenido por haber registrado el material.

¿Qué sucederá si éste tipo de propuestas llegan a ser aprobadas? Pues será que sólo tendremos acceso a la música que pasen en la radio o los canales de televisión, los artistas afiliados a una disquera grande tendrán menos exposición y menos ganancias como consecuencia, y si quieren tener éxito deberán mudarse a un sello independiente o de plano cambiar de profesión a alguna más redituable.

Viendo más allá, si la música no se difunde libremente, la gente perderá su influencia y habrá menos personas que quieran vivir de ella, los sellos se quedarán sin músicos a quienes fichar y entonces pensarán en un modelo que les permita subsistir, mismo que es necesario desde ahora pero que se niegan a poner en marcha.

Así que déjense de tonterías y pónganse a idear ese modelo en el que creador, mercado y compañia salgan ganando, porque al paso que van se quedarán sin artistas y sin consumidores.

Musicómanos Pretenciosos

Hace unos cuantos meses asistí a la final de un concurso de bandas de "rock" en uno de los lugares nice de San Luis Potosí.

En el recinto había alfombra roja -háganme favor- e incluso la banda favorita para ganar el concurso llegó en una Hummer H2 -que se quedó sin gasolina-.

La entrada al salón estaba custodiada por automóviles FIAT y el nombre de una radiodifusora encabezaba la puerta, lo que sea de cada quién se notaba el presupuesto gastado en el evento. Una vez adentro, los integrantes de cada uno de los grupos participantes lucían poses de rockstars, cabe destacar que el promedio de edad de los músicos era aproximadamente de 19 años; había tipos con vestimentas por de más exoticas, peinados de 30 cm. de alto o cubriendo la mayor parte del rostro, sacos y pantalones multicolores, maquillaje, zapatos de plataforma y accesorios brillando en la oscuridad, obviamente dando más enfoque a la imagen que a la música o la propuesta.

Las agrupaciones se fueron sucediendo en escena y hubo pocas que mostraran algo en verdad sobresaliente, la mayoría subían al escenario a presumir sus vestimentas y sus modelos caros de guitarras y bajos. Una pregunta vino a mi mente:

¿Es éste el futuro de la música?

Señores, el rock es mucho más que peinados glam y vestimenta exótica.
El rock es actitud más que guitarras sofisticadas e impecables.
De nada sirve tener una Gibson Les Paul con amplificadores Mesa si no hay un acorde que se instale en la conciencia y produzca un escalofrío, o una frase que nos haga identificarnos con quién la escribió.

Se notaba que la mayoría de los "músicos" estaba en una banda sólo porque los hacía ver mas "cool" cons sus amigos y porque así podrian ligar adolescentes ingenuas alardeando que eran rockers y rebeldes, cuando la realidad es que eran niños de alguna colonia fancy con juguetes caros de seis o cuatro cuerdas que dejarán en el olvido cuando por fin se liguen a esa niña rica de su vecindario.

Olviden las poses, el vestuario y los peinados y concéntrense en la actitud, sálgan de su burbuja y percátense que el mundo no es perfecto y que la vida no es justa, hagan música basados en la premisa de cambiar el rumbo de la sociedad a través del sentimiento implícito en una nota o una frase salida de las entrañas de la espina dorsal.

Eso es el alma del rock.